Entrer Tschabalala lui-mêmeLa nouvelle exposition Cotton Mouth (visible jusqu’au 23 janvier) devrait arriver dans un espace bondé – même si, comme c’est souvent le cas ces jours-ci avec des visites touristiques et des distances sociales planifiées, vous êtes tout seul pour New York. Galerie Eva Presenhuber est déjà bien peuplé d’images figuratives. Sept nouveaux tableaux (dont deux diptyques), neuf dessins et trois peintures murales remplissent les murs. Sur le sol de la galerie principale se trouvent trois sculptures à bosses qui ressemblent à des jambes et à l’arrière-train. Ces figures, entières et fragmentaires, certaines impliquent du mouvement, d’autres tiennent leur terrain, occupent à fond l’espace.

Cette qualité de l’église est caractéristique du travail de soi. L’année dernière, elle a organisé la «Bodega Run» au Hammer Museum de l’UCLA, qui rappelle un supermarché de Harlem avec des enseignes au néon, des boîtes en plastique et des miroirs de surveillance convexes. «Out of Body», qui a été dévoilé à l’ICA Boston plus tôt cette année, était un acte de placement moins spécifique. La boîte est revenue, cette fois comme un socle sculptural; Des silhouettes violettes étaient accrochées au mur comme si elles dansaient autour des images. « Cotton Mouth » poursuit cette approche immersive. Lors d’une discussion téléphonique en novembre, l’artiste a déclaré: «Il est important que l’exposition se sente comme l’espace des sujets et non comme l’espace du spectateur – comme les personnages [be] en sa possession. « 

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Une philosophie esthétique est ici à l’œuvre, qui affecte la dynamique fondamentale du montrer et du voir. Le moi s’écarte radicalement de l’état trop familier dans lequel les corps – en particulier les corps féminins voluptueux – sont disposés passivement pour le plaisir et le jugement du spectateur. Au lieu de cela, comme l’écrivain Camille Okhio le prétend dans son communiqué de presse inhabituellement révélateur, l’artiste crée des personnages «qui, individuellement et situationnellement, ont un pouvoir sur leur expression personnelle et leur perception extérieure. Un pouvoir que les Noirs américains se voient souvent refuser dans leur vie quotidienne. « 

Ce n’est pas seulement une question d’iconographie ou d’attitude. Les personnes du moi sont très obsédées par elles-mêmes et dominent leurs champs de vision avec un certain degré de monumentalité. Cependant, les relations spatiales complexes de la galerie dans laquelle ils sont assis sont tout aussi importantes pour les appeler à la vie subjective. Le trio de sculptures en plâtre – toutes faites de la même forme, poncées et pigmentées différemment pour leur donner une individualité – domine le sol. Self dit qu’elle a voulu «donner des jambes aux tableaux» et avoir l’idée que leurs personnages pourraient se détacher de leurs plans picturaux de la même manière. C’est une imagination qui est renforcée par les peintures murales rendues dans la couleur des murs standard. Simplement intitulé Mains verrouillées, ils reproduisent, à une échelle énorme, un motif tiré de l’un des tableaux; Les deux mains ont des tons de peau différents, ce qui peut impliquer une réconciliation culturelle plus large. Ils s’étendent au-dessus, au-dessus et derrière les toiles suspendues et pénètrent en douceur dans leur espace d’exposition. Où est la figure dans cette exposition et où est le sol? La pièce entière peut être conçue comme une pièce de travail ou une pièce fictive.

Tschabalala lui-même: Fille rapide, 2020, tissu, fil, charmeuse, soie, velours, papier, pigment, acrylique et toile peinte, 84 x 60 pouces; à la Eva Presenhuber Gallery, New York.
© Tschabalala Self. Photo Matt Grubb.

À l’inverse, les images de soi sont constituées de parties qui exercent leur propre autonomie tenace. Bien que les peintures soient principalement réalisées à l’acrylique sur toile, elles contiennent également des éléments de toile colorée, de papier kraft et de tissu. L’inclusion des vêtements que vous avez vous-même utilisés est particulièrement importante. dans le SprewellLa silhouette masculine, qui montre un couple enlacé dans un intérieur orange vif, porte le vieux jean de l’artiste, que Self décrit comme un «sous-produit de ma vie, quelque chose dont je n’avais aucune utilité». En incluant le vêtement dans le tableau, elle a pu «le retenir, le garder utile pour moi, mais d’une manière différente – comme un geste d’affection».

L’utilisation des collages par le soi s’inspire de divers courants de l’histoire de l’art noir. Pensez aux célèbres fabricants de courtepointe de Gee’s Bend, en Alabama, y ​​compris Annie Mae Young et Lorraine Pettway, qui ont également incorporé des vêtements de travail en denim et d’autres textiles – un témoignage de la vie de travail acharné dans le système de métayage du sud – dans leur patchwork inventif. Comme dans ces chefs-d’œuvre de l’art textile, la couture de Self, griffonnée au niveau des coutures où se rencontrent divers éléments de collage, est à la fois utile et expressive. Il maintient l’image ensemble et établit des normes en même temps.

Si Self accueille de telles comparaisons, elle est avant tout peintre, et ses choix formels sont clairement ancrés dans des questions de composition. Elle cite Romare Bearden comme une influence importante; De la même manière, il assemble ses personnages à partir de matériaux hétérogènes et les laisse flotter devant des toiles de fond abstraites. En traitant de soi, cela crée parfois une forte qualité graphique, parfois une qualité théâtrale, comme dans le diptyque avec le titre tapisdont les deux dramatis personae semblent être intensément illuminées. Comme Bearden – ou son contemporain Jacob Lawrence, dont elle imite parfois les silhouettes fortes, ou Robert Colescott, dont l’esprit sardonique trouve également des éclairs de correspondance dans son travail – Self crée des personnages qui semblent jouer un rôle allégorique plus large. Bien qu’elle ait été inspirée par certaines personnes qu’elle connaissait dans sa ville natale de Harlem ou à New Haven, où elle vit et travaille aujourd’hui (elle a reçu son MFA 2015 de Yale), elles sont à la limite de l’archétype. Comme elle le dit, «ils sont eux-mêmes, mais bien d’autres le sont aussi».

Un autre esprit qui préside au travail de Self est l’estimée Faith Ringgold, une artiste sœur de Harlem qui se déplace également facilement entre le collage de tissus et la peinture. Lui-même a une relation assez agréable avec cet ancien vénéré. Enfant, elle aimait beaucoup le livre illustré de Ringgold Plage de goudronet plus tard, au fur et à mesure que Self entra dans le monde de l’art, elle se rendit compte que cette figure honorée de sa jeunesse était aussi une lampe dans la profession qu’elle avait choisie. La connexion est profonde. En plus des parallèles matériels évidents entre leurs œuvres, les deux artistes ont également une approche tout aussi libérée des questions de discipline. Contrairement à d’autres féministes de sa génération – en particulier celles qui étaient impliquées dans le mouvement des motifs et de la décoration et qui utilisaient des matériaux artisanaux pour critiquer les hiérarchies de genre et de genre – Ringgold a toujours surmonté ces préoccupations hiérarchiques et s’est tournée vers la tâche de construire des mondes inspirants. Partage même ce point de vue. Elle s’accroche à la vitalité et à la validité du métier en tant que langage d’expression, mais dit qu’elle « n’a jamais été émotionnellement investie dans le travail qui est compris à travers cette lentille ».

Tschabalala lui-même: Lil maman 2, 2020, tissu, papier kraft, tulle, toile teintée, acrylique sur toile, 68 x 50 pouces; à la Eva Presenhuber Gallery, New York.
© Tschabalala Self.

L’émotion vient ailleurs. Dans les œuvres de leurs ancêtres – Young et Pettway, Bearden et Lawrence, Colescott et Ringgold – la joie et la douleur sont inextricablement liées, et l’enchevêtrement lui-même est une sorte de sagesse. Donc aussi dans le travail de soi. Sprewell, apparemment une scène de bonheur domestique, fait allusion à une histoire plus malheureuse concernant Latrell Sprewell, la star de la NBA qui a tenté d’étouffer son entraîneur blanc en 1997. Dans la peinture de Self, l’amant masculin porte un maillot avec le nom de Sprewell dessus. Alors qu’un match de basket-ball est à la télévision dans le coin inférieur droit: En arrière-plan, le concours de sportivité noire se poursuit avec sa perturbation identitaire des médias de masse.

Dans un autre tableau intitulé Nate le serpentUne femme peut être vue de dos à Contrapposto. Une semelle est relevée et se retourne pour regarder par-dessus son épaule. Un serpent jaune acide s’enroule autour de son corps et évoque une mythologie aussi ancienne qu’Eve et nouvelle comme le film de Beyoncé Le noir est roi. Et en Fusée de pocheUne cow-girl en rouge, blanc et bleu entièrement américain tire une plate-forme de pistolet sur la droite. Ces deux dernières images traitent sciemment des clichés de la réalisation du genre. Mais dans les sourires étroits des femmes et le soupçon menaçant de violence – un petit pistolet «de poche» est beaucoup plus susceptible d’être impliqué dans la violence urbaine que dans une représentation sur scène, après tout – nous ressentons le poids pur et dur que le la caricature met sur l’expérience noire.

Le titre bref mais puissant de l’exposition attire l’attention sur la même réalité incarnée. Même l’explique de cette façon: «La bouche de coton, c’est quand vous ne pouvez pas parler facilement ou que vous êtes obligé de vous en tenir à un script que vous n’avez pas écrit. La bouche de coton est la réalité dans laquelle vous vous trouvez à cause de dommages répétés. «Cette réalité peut être vue dans différents contextes, du socio-économique au psychologique, mais le moi s’y intéresse le plus en tant qu’état physiologique. Après tout, c’est une artiste qui crée un monde matériel. Il enregistre le racisme comme une force tangible, comme une attaque contre le corps et l’esprit.

Dans ce contexte déchirant, les notes pleines d’espoir de leur travail sonnent d’autant plus brillantes: le couple enlacé entre en scène Sprewell, la jolie fille montrée dans Petite maman 2et tourné vers ou dans son propre avenir sur un fond rose Fille rapide (un titre qui peut signifier un jugement moral mais qui est ici lié à l’énergie pure), le jeune personnage virevolte dans un cyclone qui lui est propre. Ces personnages combinent les images les plus parodiques de la série en un seul tissu social. Le chœur est reproduit dans un dernier volet de l’exposition de Self, une pièce audio – sa première – dans laquelle sa propre voix peut être entendue parmi tant d’autres, cette dernière étant tirée de pistes audio trouvées. Le travail est fait comme vos photos, superposé avec les coutures qui apparaissent encore. C’est le genre particulier de créativité de Self: elle est un synthétiseur, un remixeur. Elle élabore un portrait de groupe de l’Amérique noire contemporaine, point par point.



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