Lucas Blalock est surtout connu pour ses photos de natures mortes, qui reposent fortement sur l’utilisation des outils Photoshop. Doigts de melon (2015), par exemple, s’appuie sur l’outil d’estampage clone, qui a été développé pour éliminer les défauts afin de percer avec élégance une pastèque sans pépins enveloppée de cellophane avec des parties de doigts humains. « Florida, 1989 », l’exposition personnelle de Blalock, qui se déroule jusqu’au 10 avril à la Eva Presenhuber Gallery de New York, est un grand changement pour l’artiste. L’artiste a longtemps été préoccupé par les problèmes formels liés à l’essor de la photographie numérique et, dans son nouveau travail, il s’est tourné vers les événements de sa propre vie. Ci-dessous, il décrit la blessure qui a conduit à son style de signature et discute du nouveau travail qu’il a effectué en réponse à la chirurgie qui en a résulté.

Au sujet des articles correspondants

Cette exposition est basée sur un accident que j’ai eu dans mon enfance. J’avais dix ans et mon pouce a été amputé alors que je conduisais Pirates des Caraïbes à Disney World. Mes parents m’ont appelé pour savoir que cette nouvelle procédure existait: un chirurgien pouvait retirer le gros orteil et le placer là où se trouvait le pouce. Nous y sommes allés même si je me souviens qu’ils ne nous donnent que 50/50 chances de gagner. Je vois maintenant cela comme un précurseur, ou peut-être même la cause, de nombreux aspects de ma pratique.

J’avais pensé travailler sur cet événement pendant un moment, mais j’étais un peu hésitant car je ne voulais pas que cette histoire submerge toutes les autres histoires de l’œuvre. Avec le recul, il y a beaucoup de mains et de pieds dans mes photos. Et souvent je remplace une chose par une autre. Si vous vouliez faire une lecture psychanalytique de mon travail, il serait très facile de revenir autant sur l’accident. Ce n’est pas que je signale secrètement cette histoire depuis des années, mais cela fait définitivement partie du travail. Peut-être que certains types d’actions ont du sens pour moi parce que j’ai passé une grande partie de ma vie à penser à cet événement.

Il y a une photo au-dessus de la porte de la salle principale de la galerie [Nail Façade / above the door picture (2019)] d’un pignon qui avait probablement autrefois un signe, mais il ne reste que les clous. Les ongles ressemblent à des poils incarnés ou à une peau irritée. Il y a des moments d’architecture en trompe-l’œil dans l’émission qui, je l’espère, rappelleront leurs corps aux téléspectateurs.

Reverse Titanic / Hell est dans l’air (2019) est pour moi le cœur de l’exposition. C’est une photo de deux koozies à la bière à tête de poisson décapités sur le pont d’un bateau – un ami m’a dit que c’était la photo la plus romantique de la série! Je voulais rapprocher l’animation et l’amputation et me détourner des prétendues propriétés vivifiantes de la première. Alors qu’une grande partie de mes travaux antérieurs portait beaucoup sur les propriétés formelles des photographies numériques, je pense davantage aux dessins animés et à ces moments où l’espace fantastique rencontre l’espace corporel. Cela a toujours été dans mon travail, mais Disney m’a fait réfléchir à cette version ultra-optimiste, ultra-simplifiée du fantasme et à ce sujet. [theorist] L’argument de Lauren Berlant selon lequel l’optimisme implique un changement constant. Les Américains sont particulièrement mauvais à ce sujet.

Pendant ce temps, je combine les dessins animés avec les conséquences et contraste la plasticité d’un corps de bande dessinée avec la réalité physique et la fragilité. Certains éléments ressemblent à quelque chose d’un monde de dessins animés tandis que d’autres sont beaucoup plus physiques. Palier perforé I. (2020), par exemple, est une photo d’un escalier avec ces judas regardant dans ces pièces plus colorées – des pièces disponibles et pourtant inaccessibles. Bertolt Brecht et Buster Keaton – ou métaphores des coulisses en général – sont des influences majeures sur mon travail dans un Le magicien d’Oz En quelque sorte.

« Qu’est-ce qui est vivant et qu’est-ce qui est mort? » est vraiment une grande question sur cette émission. Il y a trois sculptures motorisées et rotatives au rez-de-chaussée – la série s’appelle «Film-Objet» (2020). Le premier a des photos d’une pomme de terre, le second est de ce poisson que j’ai acheté au supermarché et le troisième est de ma tête. Ils sont animés – dans le sens où ils bougent – mais de cette manière vraiment morte.

Les sculptures sont également supportées sur des chaises ou des chevalets au lieu de socles. Vous pouvez voir beaucoup de photoshopping que j’ai faites avec mes images 2D. Et là, je voulais aussi intégrer mon studio au travail. Je voulais aussi que le sous-sol ressemble vraiment à un sous-sol.

Avec Chauffage de navire Frankenstein (2020), une photo de deux moitiés d’une bouillotte en caoutchouc cousue métaphoriquement, j’ai pensé au corps cousu. j’ai relu Frankenstein Il y a environ un an: The MIT Press avait ce numéro annoté cool pour les scientifiques et les ingénieurs. Mais j’ai pensé à recomposer quelque chose de telle sorte que cela ne fonctionne pas.

Quand j’étais plus jeune, j’ai vraiment insisté pour définir ma pratique en termes de photographie. Et bien sûr, mon travail est toujours profondément engagé dans cette discipline, mais je pense aussi à beaucoup d’autres choses. Ma méthode est étayée par l’histoire de la technologie, et ce genre de questions m’intéresse vraiment, mais ce n’est pas tout ce que je poursuis. Pour moi, ce spectacle était un passage de la méthode au contenu.

– Comme on l’a dit à Emily Watlington