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Si vous n’avez pas passé la première moitié de cette semaine à écouter l’équivalent de la musique numérique de la planète Mars, vous aurez remarqué la fureur d’Emily White. Le long et court était Emily White, une stagiaire à NPR (US Public Radio) Bloguant qu’elle possédait 11000 chansons Parmi ceux-ci, seuls 15 étaient des albums qu’elle avait achetés et qui cherchaient une base de données musicale universelle universellement disponible. La contribution a été rapidement suivie de critiques bien fondées contre, au, contre, et auet aussi de Tribune vide avec une mauvaise bouche. Ce qui m’a surpris, ce n’était pas la force de ressentir sur le sujet, mais le point de vue de certains qui C’était en quelque sorte un tournant, un changement de perspective collective. Ce n’était pas. Pour quiconque a suivi cet espace de près pendant plus de quelques années, ce débat est considéré comme un autre chapitre d’un discours de longue date. Un chapitre important, mais toujours un seul chapitre. Les lecteurs de longue date de mon blog se souviendront d’un certain nombre d’articles sur «Pourquoi la musique ne peut pas être libre» et du débat houleux qui l’a entouré. Pour ceux qui ne l’ont pas fait, certains des messages sont Ici et Ici. (Et pour avoir un aperçu de la façon dont le «  libre  » affecte un artiste, jetez un œil cette contribution d’artiste à feuilles persistantes.)

Cependant, ce message ne consiste pas seulement à verser une autre couche d’opinion dans le chaudron bouillant. Au lieu de cela, je veux essayer de déplacer le débat du diagnostic des symptômes à l’identification d’un remède possible, ou du moins des soins palliatifs.

Par souci de raisonnement, supposons:

  • Une grande partie des consommateurs a abandonné l’habitude d’acheter de la musique et une plus grande proportion de jeunes consommateurs n’ont tout simplement jamais pris l’habitude
  • Moins de gens accordent une valeur financière à la musique que par le passé, et pourtant plus de gens écoutent plus de musique que jamais auparavant
  • Cependant, il y a des consommateurs de musique de tous âges qui dépensent beaucoup, bien qu’en nombre décroissant

Comprendre le rôle de la rareté

La principale raison pour laquelle moins de gens achètent de la musique est qu’ils ne sont pas obligés. À l’ère de l’analogique, il y avait un monopole sur la distribution de musique: si vous vouliez acheter de la nouvelle musique, vous deviez l’acheter dans les magasins, si les maisons de disques pensaient que c’était possible, et payer le prix qu’eux-mêmes et les détaillants décidaient pour vous. L’alternative était de faire une copie de cassette de mauvaise qualité à partir de la radio ou d’amis. Les gens qui aimaient la musique n’avaient d’autre choix que d’attribuer une valeur monétaire spécifique à la musique. Napster a jeté le modèle de rareté par la fenêtre. Puisque payer pour la musique est maintenant un choix de style de vie, la valeur monétaire de la musique a été soumise à une hyperdéflation. La logique du «prix et ils viendront» ne s’applique désormais qu’à un petit sous-groupe de fans de musique, un sous-groupe en danger critique d’extinction.

Cela ne veut pas dire que les gens n’apprécient plus la musique, mais qu’une majorité ne la valorise plus financièrement. Cette dynamique est magnifiquement résumée dans une réponse d’un partage de fichiers de 12 ans que Feargal Sharky aimait citer

« J’adore la musique et si je pouvais télécharger ma Nike, je paierais ma musique. »

Nike a toujours des pénuries, c’est pourquoi tant d’enfants paient pour leurs entraîneurs mais pas pour leur musique. Aimez-le ou détestez-le quand il s’agit de produits musicaux, Nous sommes dans l’ère post-pénurie.

Qu’est-ce qui, le cas échéant, peut être monétisé dans l’ère post-pénurie?

Donc, si la rareté a disparu – et si elle est partie pour de bon – comment les revenus de l’enregistrement de musique peuvent-ils jamais être reconstruits? En effet devraient-ils? Certains soutiennent que la musique d’appoint est un modèle dépassé, mais vous constaterez que 99,999% de ces personnes conviennent également qu’elles devraient toujours recevoir exactement la même musique pour laquelle elles ne devraient pas être payées, c’est-à-dire qu’elles l’apprécient Produit, mais pas le prix. Leur vision du monde est façonnée par la dernière décennie d’expérience, mais ils n’ont pas les bases de l’économie de base. La musique doit être faite et cela coûte de l’argent. Que ce soit l’argent que le label investit quand il tire un artiste sous son charme, ou les coûts d’un artiste qui se débrouille avec un revenu souvent très modeste.

L’argument selon lequel les artistes devraient gagner leur argent réel avec des «services auxiliaires» ne tient pas compte de la situation dans son ensemble. Seul un petit groupe de fans de musique paient pour le merchandising et seulement la moitié environ des acheteurs de musique vont aux concerts. Et la première chaîne de consommation musicale? C’est toujours la radio. Donc, ces revenus supplémentaires constituent un marché adressable beaucoup plus petit. Ils sont également largement hors de propos si vous êtes plus un auteur-compositeur qu’un interprète.

La musique enregistrée est toujours le produit principal. 95% d’entre nous écoutent de la musique presque tous les jours. La grande majorité de la consommation de musique (par tous) consiste en des enregistrements musicaux. Pourquoi ne serait-ce pas aussi la principale source de revenus? La rareté a été perturbée, pas la demande du marché. Aucun de nous ne s’attendrait raisonnablement à ce qu’un plombier répare notre machine à laver gratuitement, puis descende dans la rue et gagne sa vie en vendant des combinaisons et des outils. N’oublions pas non plus que la plupart des artistes font de la musique parce qu’ils aiment faire de la musique, pas des t-shirts.

Pourquoi le taux forfaitaire n’est pas la réponse

Ne vous méprenez pas: bien sûr, les artistes doivent apprendre à gagner de l’argent à partir d’un éventail beaucoup plus large de sources de revenus que jamais auparavant, mais il n’y a aucune raison inhérente pour laquelle ils doivent accepter que leurs actifs créatifs de base ne soient plus monétisés. -pouvoir. Les stratégies de chaîne, de produit et de prix peuvent être brisées, mais le rythme cardiaque créatif de la musique ne l’est pas. Le simple fait de facturer un prix fixe pour tous les morceaux de musique dans le monde semble être une solution élégante et pratique. Mais cela ne fera qu’aggraver le problème. Cela formalisera et légitimera le concept selon lequel la musique a peu de valeur. Cela accélérera également la disparition de ces fans de musique qui aiment toujours soutenir leurs artistes préférés en achetant leur musique. Le «taux forfaitaire» est une stratégie de tarification pour le bas du marché de la musique, pas pour tout. Même si la musique doit se terminer comme de l’eau, il devrait toujours y avoir un marché pour l’eau en bouteille.

Bien sûr, avoir un accès illimité à la musique dans le cloud jouera un rôle vraiment important dans l’avenir de la musique. Ce sera probablement la façon dont la plupart des gens consomment de la musique. Mais c’est un service qui devrait avoir une valeur monétaire claire. Tout le monde accepte que les forfaits de télévision par câble et par satellite premium soient payés pour les marchandises. En fait, les consommateurs paient plus si une partie de ce contenu est à la demande. La raison pour laquelle c’est différent pour la musique (et même l’actualité) est, bien sûr, à cause de sa rareté.

La nouvelle vague de rareté

Il y a encore une pénurie de musique, principalement en direct, et les consommateurs y paient des primes. Si les dépenses de musique enregistrée augmentent à nouveau, la rareté doit être réintroduite dans la stratégie des produits musicaux. Mais pas de rareté dans le sens de construire des murs autour du contenu (il sera toujours épuisé), mais à travers la création Manque d’expérience. Les précédents succès de contenu payant (iTunes, Kindle, xBox, PlayStation, etc.) ont peut-être été des jardins clos. Cependant, leur succès repose sur la qualité des expériences qui y sont contenues et ne peut pas être vécu à l’extérieur. Les produits musicaux doivent apprendre à créer des expériences uniques autour de la musique tout en tirant pleinement parti de l’interactivité, de la connectivité et de la socialité du monde numérique d’aujourd’hui. Les produits de musique numérique actuels ne le font pas. Comme je l’ai esquissé dans le mien Déclaration des droits des formats de musique Signaler (que vous pouvez télécharger ici gratuitement) Les produits musicaux doivent être:

  • RÉ.atamique
  • jeinteractif
  • S.social
  • C.lié

L’avenir des produits musicaux sera des expériences de type application qui offrent des expériences musicales uniques, interactives et organisées où le tout est bien supérieur à la somme des parties (voir illustration). Le piratage des composants individuels manquera des environnements riches en contexte, organisés et programmés dans lesquels les expériences musicales auront lieu, et par conséquent aura une valeur massivement diminuée. La rareté sera revenue aux produits musicaux.

Les futurs formats de musique doivent être: Dynamic Interactive Social Curated

En attente d’un moment iPad

La monétisation de la commodité ne fait qu’accélérer une course vers le bas. La commodité doit faire partie intégrante de la valeur des produits musicaux, mais seulement une partie de celle-ci. Ce n’est pas parce que les produits musicaux actuels n’offrent pas suffisamment de valeur tangible pour convaincre des gens comme Emily White de payer pour la musique qu’il doit en être ainsi tout le temps. Jusqu’à il y a 26 mois, le marché entre les smartphones et les ordinateurs portables était celui des netbooks. À l’époque, non seulement la plupart des consommateurs ne possédaient pas de netbook, mais ils ont également déclaré qu’ils n’avaient jamais eu l’intention d’en acheter un. Puis vint l’iPad et nous avons soudainement une révolution produit entre nos mains. Un segment de marché apparemment mort s’est transformé en prospérité de la ruée vers l’or pratiquement du jour au lendemain.

L’industrie de la musique a besoin d’un moment iPad. Quand cela arrivera (et ce sera le cas), même des gens comme Emily White peuvent enfin voir la valeur de payer à nouveau pour la musique.



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