Les formats ont façonné et dicté le développement de la musique enregistrée. Les contraintes qui dictent les formats sont à leur tour devenues le cadre créatif dans lequel la musique fonctionnait. Aujourd’hui, à l’ère d’Internet, les formats appartiennent au passé – et pourtant la façon dont la musique est créée et distribuée correspond à l’ancien monde physique. Il est temps de changer notre façon de penser la musique, du processus de création à la façon dont une chanson sonne réellement. Voici une vision du futur de la musique.

Redonne vie aux sons morts

Quand Edison a inventé le phonographe, un calomniateur l’a appelé une machine « qui redonne vie aux sons morts ». En raison de l’époque de l’enregistrement, il nous est difficile d’imaginer une époque où la musique n’existait que dans l’instant et n’a jamais été entendue exactement deux fois. Cependant, il s’agit d’une anomalie historique – un héritage des médias physiques. Les chansons sont devenues solides, statiques et permanentes parce que c’était le seul moyen de presser la musique sur de petits disques – des échos momifiés de performances live.

Au fil du temps, à mesure que les techniques et les technologies d’enregistrement se sont améliorées, la chanson enregistrée est devenue une forme d’art à part entière. L’enregistrement multipiste, les effets, la synthèse et la programmation ont permis de créer des sons qui ne pourraient jamais vraiment être reproduits en direct. Les supports physiques ayant une part de plus en plus faible dans la consommation de musique, les restrictions ne doivent plus être respectées. Nous avons 14 albums titres car les CD ont été conçus pour les 9 de BeethoveneSymphonie; Nous avons des enregistrements statiques pour servir les anciens modèles de distribution. Nous avons des chansons de trois minutes qui accompagnent les programmes radio. Les trois camisoles de force peuvent être jetées. Voici comment: =

  • Ecrire et produire pour le médium: Nous sommes déjà impliqués dans un processus musical qui a été développé pour le succès de Spotify, à travers le soi-disant Spotify Core et l’industrialisation de l’écriture de chansons, dans lequel les chansons combinent les meilleurs crochets de plusieurs auteurs-compositeurs. Une grande partie de cela peut être réductrice et limitée au plus petit dénominateur commun. Cependant, c’est l’exécution et l’intention qui nécessitent une attention, pas une stratégie. En fait, il doit être poussé plus loin – beaucoup plus loin. TikTok, YouTube, Instagram, Snapchat et Spotify sont des propositions radicalement différentes avec des cas d’utilisation tout aussi différents. Alors, pourquoi devrions-nous nous attendre à ce qu’une chanson fonctionne aussi bien dans chaque chanson? Quel producteur vidéo ferait un mème pour Netflix ou un film de deux heures pour Snapchat? Il est temps de suivre l’exemple de la vidéo et d’écrire là où la chanson est le plus interprétée. Lil Nas X, tout en écrivant Hometown Road, s’est concentré sur quelque chose de viral, quelque chose qui exploserait sur TikTok. L’idée que les chansons devraient avoir des longueurs, des refrains, des couplets fixes – tout cela peut maintenant être joué dans le courant dominant comme il l’a été à la marge expérimentale de la musique pendant de nombreuses années. Cette fois, il s’agit de donner aux auditeurs ce qu’ils veulent, pas une expression d’avant-garde.
  • Déposer / développer l’album: Seuls 16% des consommateurs écoutent des albums traditionnels et encore moins 10% écoutent des albums complets en streaming. 59% des consommateurs disent entendre moins d’albums en raison de la diffusion en continu de listes de lecture. L’album n’est pas mort, mais son public cible est beaucoup plus restreint. Maintenant, une nouvelle génération d’artistes arrive qui a grandi avec des listes de lecture, pas des albums. Alors ne pensez même pas en termes d’album. Bien sûr, de nombreux artistes, en particulier les plus âgés, veulent toujours écrire des albums et devraient absolument le faire. Cependant, vous ne devriez pas vous attendre à ce que la majorité de leur public les écoute complètement. Il y aura toujours des exceptions (Ed Sheeran, Adele, etc.) mais le sens du voyage est clair. Les artistes et les labels doivent repenser à quoi devrait ressembler l’album. Nous commençons à voir des contrats d’artistes indiquant le nombre de pistes, pas le nombre d’albums. Ceci est extrêmement positif et permet beaucoup plus de liberté créative. Les artistes doivent commencer à repousser les limites et à tirer tous les leviers disponibles (par exemple, plus de pistes, moins de pistes, toutes les pistes à la fois, au fil du temps, se mêler de mots parlés, images et vidéos, EP, etc.). La seule règle devrait être qu’il n’y a pas de règles.
  • Remplissez l’espace entre l’enregistrement et le live: Malgré ses origines en tant que «sons morts», la chanson enregistrée est une entité établie avec des modèles de consommation établis qui ne disparaîtront pas dans un laps de temps significatif. Mais cela ne veut pas dire que ce doit être la seule unité. Des technologies telles que la diffusion en direct, les pourboires en temps réel, les flux de commentaires, les cadeaux virtuels et les outils de collaboration peuvent être utilisées pour créer des expériences musicales qui ne sont ni en direct ni enregistrées, mais quelque chose entre les deux. Imaginez un artiste créant un flux en direct payant dans le studio avec une série de rythmes dans un dossier partagé que le public peut entrer et sortir, mais qui ne changent que ce que chaque individu entend. Ensuite, le guitariste commence à parcourir quelques riffs et les téléspectateurs acceptent leur favori dans le flux de commentaires. Ensuite, lorsque le claviériste démarre, l’auditeur change le patch de synthé, mais encore une fois uniquement pour son propre flux. Ne considérez pas cela comme un modèle pour le format, mais comme un exemple de la façon d’y penser. Créer quelque chose d’unique qui existe dans le moment et crée un lien indélébile entre l’artiste et le fan.

Il ne s’agissait pas d’une liste définitive des tâches d’innovation par format, mais de trois axes principaux et d’exemples de réflexion structurante. Il est maintenant temps pour les artistes créatifs, les écrivains, les labels et les entreprises technologiques de prendre le relais et de courir avec. Rester immobile est une option, bien sûr, mais dans l’économie de l’attention de plus en plus compétitive, il ne peut y avoir de plainte si la musique n’améliore pas son jeu, si elle perd sa participation dans la vidéo, les jeux et les réseaux sociaux.



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